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lynch.『GALLOWS』:耽美モダンメタルコアの傑作、或いは「びいしき」

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日本のモダンメタルコア事情

脱ヴィジュアル系をした結果のダークな雰囲気のロックバンドという歯痒い表現の通り、耽美なり暗い歌謡曲なりの雰囲気と、ハードコアキッズ(この言い方揶揄っぽくてアレなんですけど、他に的確な言葉がない)が好みそうなモダンメタルコアの中間をいくような作風。

今、日本ではメタルコアバンドの活躍が目立つ。「まるで洋楽」なcoldrainやエレクトロ特化のCROSSFAITH、当初のレゲエだけでなく貪欲に色んな要素を取り込んだSiMなど、実力のあるバンドがどんどん登場している。ヴィジュアル系でもその流れはあり、オタク業界との親和を隠さないSADIEやブルデスの暴力とネオヴィのチャラさを見事に合わせたNOCTURNAL BLOODLUSTといったバンドが頭角を表している。とはいえヴィジュアル系に限って言えば「デスボでサビで盛り上げるって最近の流行りなのかな? 個性が欲しい所。」と、メタルコアというジャンルを把握してなさそうなファンにさえ言われてしまうほど形式化されているのも事実で、どうやって他から抜き出るのかはこの音楽性にあるバンドの課題だろう

熟練度で若手を引き離す

さて、『GALLOWS』である。本作はどういった特徴を持っているのだろうか。

まずはヴィジュアル系バンドとして見ていこう。歌謡メタルコア、というのはまさにヴィジュアル系の流行りで、その枠を飛び出すようなわかりやすい特徴は彼らにはない。しかし、だから凡庸というわけではない。彼らはその中でも“熟練度”が段違いなのだ。例えばそれはピアノインストの#1「INTRODUCTION」から続く表題曲#2「GALLOWS」から顕著だ。ほのかにゴシカルなリフを背後に男汁溢れるシャウトとコーラスを掛け合うそれは近代メタルコアそのもの。Pay money To my Painの「Resurrection」にcoldrainのMasato氏と参加するなどの交友が活きていると言ってよいだろう。そういうヴィジュアルシーンの外からも影響を受けているところなんかは近親引用が激しいヴィジュアル系の中では大きな武器となるが、それとは別に注目したいのがメタルコアパートが終わったあとのクリーンパートだ。クリーンパートはサビに位置付けられることが多いが、この曲ではビートを落としてCメロ的に扱ったあと、改めて疾走をして大サビの機能を持たせている。もともとメタルコアパート単独で構成的に成立するようになっているところでさらにシャウトとクリーンの単純な対比を避けることで、メタルコアの突進力を損なわないまま歌謡的なわかりやすさも充分に発揮している(勝手に「歌謡ダウン」とか言って喜んでいる)

あるいはアルバム全体の構成。表題曲から続く10曲は、アップテンポで進んでいく。これがまた全く聞き飽きない。3分前後という短い中で見事に各曲の特徴付けが成されているからだ。わかりやすいところで言えば#4「GREED」の最後のスラップ奏法や#9「BULLET」の大胆なビートダウンが挙げられる。そして、そうした目立つ特徴を差し引いても、それぞれの曲でそれぞれの色が出ている。たとえば#3「DEVIL」と#8「OBLIVION」。両方とも歌メロが主力になりうる4つ打ち曲なのは共通しているが、ギターの役割が全く異なる。サビに注目してみよう。前者は、音量が大き目の左側のギターが主軸となり、右側のギターやコーラスの倍音の助けを得ながら絶妙なコード感を醸し出している。一方で後者はメロやメインリフなどを担当する左側のギターと右側のカッティングギター、2本のギターの絡みが歌メロの奥行きを増している。この2曲では左右のギターの役割やその比重、歌に対する位置付けが違うのだ。テンポやメロディという目立つ部分に加え、こうした面でも行われる差別化は、アルバム全体の統一感と多様性の両方に寄与していると言えるだろう。

その後の#12「RING」はうって変わってスローテンポ。柔らかく哀しげなアルペジオとリバースリバーブ(?)が熱くなった身体を心地良く包み込んでくれる。そうして半覚醒状態になった心に、Pay money To my PainのK氏の死をきっかけとして書かれた、生と死を扱う#13「PHOENIX」が刺さる。最高潮の中に訪れる唐突な終わりは、葉月氏が自ら言っているように、余韻までをも作品の一部と感じさせる。

勢い良く、細やかな変化を効かせながら進んで行き、最後に大きな緩急をつけて一気に終幕を迎える展開。ただカッコイイリフや良質なメロディを選んでいるだけでは成し得ない、熟練した腕を感じる。

歌謡要素が武器となる

ここで、ギターの話をもう少し膨らませよう。本人たちの言うように、過去の作品と比べてギターの使い方が多様になっている。

●今まではギター2本の掛け合いというのはあまりやってこなかった?

玲央:そこまで多くはなくて、どちらかと言えばユニゾンが多かったかもしれない。音圧の壁を作ろうという方向に、意識が向いていた感覚はあるので。でも今回はそこよりも音の広がりや奥行きというところを重視した結果、歌が浮かび上がったという部分はありますね。*1

確かに#3「DEVIL」と#8「OBLIVION」の比較で述べたようなギターの使い方は、以前にはあまり見られなかった。左右でギターを使い分けていても、片方でメロを奏でて、片方で音量控えめにリフを弾く、という場合が多かった。

左右ギターで音響的、構造的に曲を構築していく、というのは葉月氏が<聴いて育った>*2)と言っているLUNA SEA以降に流行りだしたのだろうか、90年代ヴィジュアル系で頻繁に使われている。そのことと、もともとのメロディやボーカルスタイルがヴィジュアル系黎明期のバンドに近いことや、今回直接的な表現の歌詞が増えたもあって、本作はメタルコア系では珍しい90年代の空気感を持っている。とはいえモダンな音作りに余念がない彼らで、さらに今回はエンジニアとの趣味の一致で<サウンドクオリティ自体も今回は圧倒的に高い>*1と言われるほどに理想の音になったようなので、曲やコードの複雑さと録音水準・演奏水準にズレがあるが故のあの“ガチャ感”は生まれていない。そういう意味で、一部の愛好家しか知らないようなマイナーバンドではなく、大御所に近い堂々たる雰囲気を発している。それは、本人たちが<アニソンみたい>*3と語るような歌謡要素が単にキャッチ―なものとしてだけでなく、確固たる音楽的背景から来る“武器”として、他のメタルコアバンドからひとつ抜き出る要素として働くということでもある。

もちろんDIR EN GREYの活躍や、X JAPANやLUNA SEAの活動再開があってのヴィジュアル系再評価がそうした働きの後押しとなっているだろう。さらに、あの頃の少年少女が30代になってそれなりに社会に影響力を持つようになり、世代の感覚が1周して受け継がれているという世情も関係しているだろう。彼らもまた黒夢やLUNA SEAのリスナーだったことを考えれば、これは決して偶然ではない。彼らが次の世代のLUNA SEAや黒夢になりうる時代に、lynch.が“ヴィジュアル系”に留まらず自らを磨いていくなかで自らのルーツと再度向き合った『GALLOWS』を生んだことはこの手の音楽性の継承に重要な意味を持つ。それは、いちダークな世界観のバンド音楽愛好家として非常に嬉しいことである。

プロモーションも良かったよ

本作はプロモーションも素晴らしかった。中でもボーカル葉月氏によるTwitter上でのアルバム発売直前の全曲解説。これ、発端がファンとのやり取りだった。

しばしば反商業主義的態度が取られる広義のロック界隈では露骨な宣伝は嫌われる。あるいはミュージシャン自身が曲について解説するのを良しとしない人もいる(「ミュージシャンは音楽でのみ表現するべきだ」というのは良く聞く言葉である)。しかし、こうして「ファンの要望に応える」という形であれば、そうした感覚もある程度和らげることができる。

もちろん、その内容も素晴らしい。節々から出ている自作への自信と伝えたいという熱い想いもさることながら、大部分がある程度構成的な視点から行われている点が見逃せない。これは本発言だけでなく、メンバー全員によるウェブインタビューでも同様であるが、例えば簡単なところで言えば<【GREED】ギターのザクザク刻みまくるリフとキックの絡みが気持ちいい。>*4という解説。これを見たファンは、当然その曲のその部分に注意を向けて聴くだろう。そして、その枠組みを他の曲にも応用してみるだろう。つまり、この解説によってリスナーは「リフとキックの絡み」という視点を得るのである。他にも<ドラムとギターの隙間を埋めるっていう接着剤的な役割>*1<小節で言えば“ここからフィルが入るであろう”という部分の1テンポ前からフィルを入れた>*1など盛りだくさん。こうした視点は熟練のリスナーは当然持っているものの、彼らの主なファン層を考えれば、そして前述した通り彼らが今の時代のLUNA SEAや黒夢になる可能性を考えれば、大変有意義なことだろう。本ブログの今年度テーマ「サステイナブル・ミュージック」と非常に合致する。

そういえば作曲的な内容をミュージシャンが語ることって、意外と少ない。作曲技法はミュージシャンの核だから隠しておきたいということはあるだろうし、他にもインタビュアーの趣向のため、本人たちがわかっていないため、など色々な理由が考えられる。彼らの場合、ニコニコ生放送中で【1曲完全解体】というリスナーから要望のあった曲を細かく解体していく企画もやっており、事務所も含めてそういう面の開示には前向きなのだろう。今後もどんどんそうした観点から発言をしていって欲しい。レビュワー殺しではあるのだが……。

さて、次世代に対するバンドヒーローという意味で言えば、葉月氏が行ったSNSでのプロモーションは、lynch.という作り手と受け手による共同体が新譜発売という大きなイベントに向かって盛り上がっていくという体験の提供としても重要だっただろう。こうした経験によって音楽への愛や美意識は育ち、受け継がれていく。

このようなまとめが作られたのも、こうしたプロモーションを通じて彼らの熱意が伝わったからに違いない。

「DEVIL」MVに見る「びいしき」

「なぜカポエラ?」

確かに、カポエラ⇒「破壊力と躍動感が楽曲とマッチ」という方向には繋がる。だが、「破壊力と躍動感を持たせたい」⇒カポエラは相当なイマジネーションが必要だ。カポエラはかなりイメージが限定されるが、破壊力と躍動感は無限の広がりを持っているからだ。果て無きイメージの荒野から掴み取ったカポエラ。広大なる想像力と肉体美にただ圧倒されるしかなかった私だが、なんとカポエライズムに疑問を呈したインタビュアーがいた。*3

――へヴィネスと軽快さを併せ持つノリの良い楽曲で、丹修一監督によるMVも100%スタイリッシュでカッコいいんですが……何故カポエラによるバトルシーンが差し込まれているんでしょう?

愚問……?いや、これは勇気ッ!当然出た疑問に対し、葉月氏はこう答える。

ただ、回し蹴りをされる絵が欲しくて。

我々は敗北した。マジで単なるイマジネーションだったのだ。さすがのインタビュアーも「なぜ回し蹴りをされる絵が欲しかったんですか?」とは聞けなかったし、それこそ愚問だろう。そこに理由は無い。4つ打ちと言ったらカポエラ。DEVILと言ったらカポエラ。踊ろ、踊ろ、ビートから光を出して。浮かぼ、回ろ、とろけてるグルーヴカポエラなのである。

ちなみに昨年進歩的メタラーの間で高い評価を得たエクストリームエビゾリことALTAR OF PLAGUES「God Alone」も似たテイストのMVであったが、より意味がつかめない。なぜ踊る?その問いに答えはない。問い自体が即ち答えなのだ。

さて、「DEVIL」のMVに関しては、もうひとつ大きなテーマが残っている。それは“スタンドマイクの意義”である。

以下は、4つ打ちと重低音で存分に身体が温まったあとの歌い出しの画像である。ボーカルが最も輝く瞬間のひとつであり、それはマイクにとっても非常に重要な場面である。「ザッデービゥ」。その部分に注目して欲しい。

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お分かりいただけるだろうか。ある友人はマイクスタンドを掴んで歌うミュージシャンを見て「スタンドの意味ないじゃん」とシタリ顔で言っていたが、それどころではない。もはやマイクの意味すらないのである。「ザッデービゥ」その時に、彼はあらん限りの関節と筋肉をもってマイクを口から離しているのである。そしてだからこそ、これはただマイクが装飾品となったという以上の意味を持つ。

バイバイ 曖昧な世界 ブチ壊していく

曖昧な世界。それは実際に演奏し撮影されながらも、製品としては全く別の録音音源が重ねられるMVの世界そのものを指し示している。彼はマイクという楽器を極端に拒絶することで、受け手が聴いているその音と映像の中で流れているこの音が全く乖離していることの違和感を提示しているのである。

その後1分近くでようやく一瞬マイクを使う彼が映し出される。しかし、それは先ほどのテイクとは別に撮影された映像においてである。すなわち“彼”にとっては別世界の出来事だ。徐々に比率を上げていくそちらの世界は、さながら現実という悪魔のようで、なるほど絶体絶命牙を剥け!とはこのことだったのか。

人間の本能に訴える4つ打ちの中、映像の中の2つの世界と画面のこちら側の世界が音を通して繋がっていく。それは間違いなく虚構の接続であり、個々人の意識にしか存在しない曖昧な世界である。だからこそ我々は恍惚に陥り、悪魔と呼ばれるものに近づくことができるのである。

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マイクスタンドの悪魔「そうだ……それでいい……」

本能が、呼んでいる。

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